#: locale=de
## Tour
### Beschreibung
tour.description = KMT Cantonale 2021 → 2022
### Titel
tour.name = KMT_Cantonale2021
## Skin
### Button
Button_5CA86AA6_4D87_AC68_41C5_9A5007286F13.label = Impressum
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### Multiline Text
HTMLText_C0DFEF4D_DCBE_8817_41E9_EA28C34DE90D.html = CANTONALE BERNE JURA
«RESONANZ(EN)»
CANTONALE BERNE JURA
« RÉSONANCE (S) »
Kunstmuseum Thun
Direktorin: Frau Helen Hirsch
Thunerhof, Hofstettenstrasse 14
CH-3602 Thun
kunstmuseum@thun.ch
+41 33 225 84 20
Technische Umsetzung des virtuellen Rundgangs im Auftrag des Kunstmuseum Thuns:
Martin Schlichenmayer
Thunstr. 27
CH-3074 Muri b. Bern
martin@schlichenmayer.ch
+41 76 803 23 89
Der virtuelle Rundgang erhebt keine Daten und setzt keine Cookies.
Das Angebot ist freibleibend und kann ohne Vorankündigung zu jeder Zeit geändert oder eingestellt werden. Dies betrifft auch Unerreichbarkeit des Angebotes wegen technischer Störungen. Alle Angaben zu den Werken, Künstlerinnen und Künstlern erfolgern ohne Gewähr für Richtigkeit.
Abbildungen und andere Medien dürfen ohne schriftliche Genehmigung seitens des Kunstmuseum Thuns nicht weiterverwendet werden.
Die Rechte an den Abbildungen und Werken liegen bei den gegenwärtigen Rechteinhabern.
Kunstmuseum Thun
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MARIA TACKMANN (*1982 IN WATTENWIL,LEBT UND ARBEITET IN WALD)
Die Installation Ohne Titel (2020) besteht aus filigranen Spuren aus Sand. Maria Tackmann ist bekannt für eindrückliche Arrangements aus gefundenen und gesammelten Materialien und Zeichnungen. Die Künstlerin legte zunächst geradlinige wie gebrochene Glasstücke aus. Die Leerstellen, die sich teilweise zwischen den einzelnen Feldern ergaben, füllten sich in einem zweiten Schritt mit Sand, der wiederum die freien Bereiche der daraufhin weggenommenen Glasscherben umreisst. So treten beide Materialien in ein narratives Ensemble, dass sich gegenseitig bedingt. Sand und Glas wirken auf den ersten Blick konträr, dennoch ist beiden Materialien eine offensichtliche Fragilität zu eigen. Während Glas durchsichtig und zerbrechlich ist, kann Sand durch einen Windhauch verwehen und fortgetragen werden. So vermag Tackmann nicht nur zwei divergierende Materialien durch ihre jeweilige Absenz untrennbar miteinander verweben, sondern sie verdeutlicht durch die grafisch anmutende Ästhetik der Installation zudem die Vergänglichkeit beider Elemente.
ALINE WITSCHI (NÉE EN 1995 À BIEL/BIENNE, VIT ET TRAVAILLE À BIEL/BIENNE, À BÜREN AN DER AARE ET À ZURICH)
Le travail sculptural Himmel und Hölle [Ciel et enfer] (2019) est composé de papiers pliés et insérés les uns dans les autres, dont le mode de pliage s’inspire du jeu pour enfants du même nom. L’oeuvre a vu le jour au cours de la période où l’artiste a travaillé en tant que caissière dans le cadre d’un emploi secondaire. Aline Witschi a repris la dimension répétitive de cette activité pour la transposer dans son travail artistique : dans l’installation, la succession des feuilles vient souligner le caractère immuablement identique de la séquence de mouvements. Mais dans le même temps, la juxtaposition remet également en question le sens de la répétition, dans la mesure où les parties insérées les unes dans les autres donnent naissance à une nouvelle forme. Celle-ci vise à illustrer la dichotomie de la répétition que l’artiste explore dans son oeuvre : la répétition est-elle synonyme de rédemption et de sécurité, ou de monotonie et d’abrutissement ? De régression ou de progrès ? De ciel ou d’enfer ?
ALINE WITSCHI (NÉE EN 1995 À BIEL/BIENNE, VIT ET TRAVAILLE À BIEL/BIENNE, À BÜREN AN DER AARE ET À ZURICH)
Le travail sculptural Himmel und Hölle [Ciel et enfer] (2019) est composé de papiers pliés et insérés les uns dans les autres, dont le mode de pliage s’inspire du jeu pour enfants du même nom. L’oeuvre a vu le jour au cours de la période où l’artiste a travaillé en tant que caissière dans le cadre d’un emploi secondaire. Aline Witschi a repris la dimension répétitive de cette activité pour la transposer dans son travail artistique : dans l’installation, la succession des feuilles vient souligner le caractère immuablement identique de la séquence de mouvements. Mais dans le même temps, la juxtaposition remet également en question le sens de la répétition, dans la mesure où les parties insérées les unes dans les autres donnent naissance à une nouvelle forme. Celle-ci vise à illustrer la dichotomie de la répétition que l’artiste explore dans son oeuvre : la répétition est-elle synonyme de rédemption et de sécurité, ou de monotonie et d’abrutissement ? De régression ou de progrès ? De ciel ou d’enfer ?
SÉBASTIEN SCHNYDER (*1990 IN BASSECOURT, LEBT UND ARBEITET IN GENF)
Die skulpturale Installation Résonance (2020) besteht aus alten Parkettdielen. Auf den ersten Blick wirkt es so, als wären die Holzlatten wie beiläufig in einer Ecke aufgehäuft worden. Das Fischgrätmuster ist jedoch nochdeutlich erkennbar, sodass der Boden behutsam aus seiner ursprünglichen Form herausgelöst und in den Ausstellungsraum transferiert worden zu sein scheint. Aus der Sound-Anlage, die sich unter den Holzdielen verbirgt, ertönt das Geräusch eines knarrenden Parkettbodens. Unmittelbar wird der an der Wand lehnende Stapel alter Latten zu einem scheinbar lebendigen Körper, der auf etwas Vergangenes verweist, das es derartig nicht mehr gibt.
Der Künstler fängt so den Geist des originären Raumes ein und lässt die Erinnerung an jenen Ort durch den Klang eines Momentes auf eindrückliche Weise weiterleben.
OLIVER KRÄHENBÜHL (*1963 IN BASEL, LEBT UND ARBEITET IN AARAU/SUHR)
Die Aquarelle der Werkserie New Fragility (2021) zeigen grafisch anmutende Linienstrukturen, in denen der Künstler der Unsicherheit nachspürt, die seit der Pandemie unmittelbar zu unserem Alltag gehört. Vermeintlich Unverrückbares wird plötzlich in Frage gestellt und lineare Entwicklungen in Ökonomie und Gesellschaft wie auch persönliche Biografien bekommen Risse. Die Welt ist aus den Fugen geraten. Krähenbühl verdeutlicht dieses ohnmächtige Gefühl auf virtuose Weise. Die Geradlinigkeit der Striche suggeriert Stabilität und Ordnung. Gleichzeitig wird das Unumstössliche dieser festgefahrenen Strukturen durch breite Farbstriche und amorphe Formengebilde durchbrochen. Auf diese Weise erweckt die geordnete Linienstruktur einen ungemein fragilen Eindruck, der durch die Entscheidung des Künstlers, die Linien ins Ungewisse verlaufen zu lassen, zusätzlich verstärkt wird.
RENATA BÜNTER (NÉE EN 1962 À BÜREN, VIT ET TRAVAILLE À BERNE)
L‘installation 116 Stäbe [116 bâtons] (2021) est composée de bâtons de bois peints en rouge qui ont été rompus à divers endroits et réparés à l’aide de bandes de plâtre. Le processus toujours identique consistant à rompre, à réparer, puis à peindre fait partie intégrante de l’oeuvre performative, et l’artiste reproduit celui-ci sur chaque lieu d’exposition. Toutes les présentations laissent ainsi des traces spécifiques et manifestes, qui permettent à la sculpture et à l’espace d’entamer un dialogue. Tandis que les fractures évoquent des lieux disparus, les bâtons établissent également, de par leur forme de présentation, un lien direct avec chaque espace. Apposées au mur, les tiges s’inclinent et trouvent finalement elles-mêmes leur forme. La fracture suggère la vulnérabilité, mais transmet également, dans le même temps, une impression en filigrane qui est encore amplifiée par l’appui des bâtons de bois contre le mur.
ALINE WITSCHI (NÉE EN 1995 À BIEL/BIENNE, VIT ET TRAVAILLE À BIEL/BIENNE, À BÜREN AN DER AARE ET À ZURICH)
Le travail sculptural Himmel und Hölle [Ciel et enfer] (2019) est composé de papiers pliés et insérés les uns dans les autres, dont le mode de pliage s’inspire du jeu pour enfants du même nom. L’oeuvre a vu le jour au cours de la période où l’artiste a travaillé en tant que caissière dans le cadre d’un emploi secondaire. Aline Witschi a repris la dimension répétitive de cette activité pour la transposer dans son travail artistique : dans l’installation, la succession des feuilles vient souligner le caractère immuablement identique de la séquence de mouvements. Mais dans le même temps, la juxtaposition remet également en question le sens de la répétition, dans la mesure où les parties insérées les unes dans les autres donnent naissance à une nouvelle forme. Celle-ci vise à illustrer la dichotomie de la répétition que l’artiste explore dans son oeuvre : la répétition est-elle synonyme de rédemption et de sécurité, ou de monotonie et d’abrutissement ? De régression ou de progrès ? De ciel ou d’enfer ?
RENATA BÜNTER (*1962 IN BÜREN, LEBT UND ARBEITET IN BERN)
Die Installation 116 Stäbe (2021) besteht aus rot angemalten Holzstäben, die an verschiedenen Stellen gebrochen und mit Gipsbinden wieder restauriert wurden. Der immer gleiche Prozess des Brechens, Flickens und Bemalens ist Teil des performativen Werkes und wird an jedem Ausstellungsort von der Künstlerin wiederholt. Auf diese Weise hinterlassen alle Präsentationen individuelle und unverkennbare Spuren, sodass Skulptur und Raum in einen Dialog treten. Während die Bruchstellen an vergangene Orte erinnern, nehmen die Stäbe durch ihre Präsentationsform immer auch einen direkten Bezug zum jeweiligen Raum. Beim Anlehnen an die Wand biegen sich die einzelnen Stecken und finden letztlich ihre Form selbst. Das Brechen suggeriert Verletzlichkeit, aber vermittelt zugleich auch einen filigranen Eindruck, der durch das Anlehnen der Holzstäbe an der Wand zusätzlich verstärkt wird.
OLIVER KRÄHENBÜHL (NÉ EN 1963 À BÂLE, VIT ET TRAVAILLE À AARAU/SUHR)
Les aquarelles de la série d’oeuvres New Fragility (2021) montrent des structures graphiques linéaires dans lesquelles l’artiste retrace l’incertitude qui, depuis la pandémie, fait partie de notre quotidien immédiat. Ce qui était censé être immuable est soudain remis en question et les évolutions linéaires de l’économie et de la société, de même que les biographies personnelles, se fissurent. Le monde vacille sur ses bases. Oliver Krähenbühl illustre ce sentiment impuissant avec virtuosité. La linéarité des traits suggère la stabilité et l’ordre. Dans le même temps, de larges traits de peinture et des formes apathiques viennent briser le caractère inébranlable de ces structures fermement tracées. L’agencement linéaire ordonné suggère ainsi une impression d’extrême fragilité, qui est en outre intensifiée par le choix de l’artiste de laisser ces lignes se perdre dans des directions inconnues.
SIMONE HAUG (*1981 IN BERN, LEBT UND ARBEITET IN BIEL/BIENNE)
Es sind lediglich Farbspuren, die auf den Malereien von Simone Haug zu sehen sind – dynamische rote Pinselstriche und vereinzelte schwarze Farbtupfer auf einem weissen Malgrund. Die Formensprache ist bis aufs Wesentliche reduziert und doch wird das Motiv der Werke regelrecht spürbar. Die Serie Résonance (2020) ist Teil einer umfassenden Werkgruppe, an der die Künstlerin seit 2019 arbeitet. Der Ausgangspunkt eines jeden Bildes ist die Begegnung mit einem Menschen, einer Personengruppe oder einem Ereignis. Begegnungen haben stets etwas Flüchtiges und Unvorhersehbares. Gleichzeitig sind sie aber immer auch einzigartig. Die Sensibilität, mit der die Malerin der Besonderheit dieser Augenblicke nachspürt und durch die scheinbar beiläufig gesetzten Farbspuren künstlerisch zum Ausdruck bringt, ist augenscheinlich. Jeder Pinselstrich scheint das Wesentliche dieser Zusammentreffen einzufangen. So wird das Bild zu einem unbestimmten Raum, in dem die Reaktionen und Empfindungen der Künstlerin widerhallen.
EMMANUEL WÜTHRICH (*1969 IN DELÉMONT, LEBT UND ARBEITET IN PORRENTRUY)
Emmanuel Wüthrich beschäftigt sich in seiner Arbeit Nauffrage – survivants – campements (2019) mit der andauernden Problematik der Flüchtlingspolitik.
Ausgehend von Théodore Géricaults «Floss der Medusa» (1818– 1819), unterteilt der Künstler das Gemälde in vier Teile, die jeweils für ein Schicksal stehen. Géricaults Darstellung eines realen Dramas war revolutionär und zeigte die letzte Kraftanstrengung der Überlebenden, ihre letzte Chance auf Rettung. Auch Wüthrichs Arbeiten rufen in der direkten Gegenüberstellung starke Emotionen hervor.
Der Künstler macht uns darauf aufmerksam, dass die Schicksale der geflüchteten Menschen viel zu oft in Vergessenheit geraten. Während die Schreckensbilder von den Grenzen Europas, den menschenunwürdigen Flüchtlings- Camps oder den zahlreichen Booten im Mittelmeer bei uns nur wie kurzzeitige Momentaufnahmen in den Medien auftauchen, ist die dramatische Situation für die Geflüchteten real. Der Künstler hält uns diese erschreckende Tatsache vor Augen und macht deutlich, dass die Pandemie die Tragik nur noch weiter in den Hintergrund unseres Bewusstseins gerückt hat.
RENATA BÜNTER (NÉE EN 1962 À BÜREN, VIT ET TRAVAILLE À BERNE)
L‘installation 116 Stäbe [116 bâtons] (2021) est composée de bâtons de bois peints en rouge qui ont été rompus à divers endroits et réparés à l’aide de bandes de plâtre. Le processus toujours identique consistant à rompre, à réparer, puis à peindre fait partie intégrante de l’oeuvre performative, et l’artiste reproduit celui-ci sur chaque lieu d’exposition. Toutes les présentations laissent ainsi des traces spécifiques et manifestes, qui permettent à la sculpture et à l’espace d’entamer un dialogue. Tandis que les fractures évoquent des lieux disparus, les bâtons établissent également, de par leur forme de présentation, un lien direct avec chaque espace. Apposées au mur, les tiges s’inclinent et trouvent finalement elles-mêmes leur forme. La fracture suggère la vulnérabilité, mais transmet également, dans le même temps, une impression en filigrane qui est encore amplifiée par l’appui des bâtons de bois contre le mur.
MAJA RIEDER (NÉE EN 1979 À KESTENHOLZ, VIT ET TRAVAILLE À BÂLE)
Les travaux en grand format font partie de la série d’oeuvres en 16 parties intitulée Nazareth (2020), qui est composée de différentes peintures à l’encre de Chine. La couleur a été appliquée couche par couche sur une vaste surface de papier fait main, sous la forme de divisions diagonales. Les champs de couleur qui voient ainsi le jour permettent de percevoir, par endroits, les superpositions des différentes encres de Chine et suscitent une impression de profondeur spatiale. Maja Rieder considère le papier comme un espace imaginaire. Les lignes diagonales contrastent avec l’application de la couleur tour à tour transparente ou couvrante. Un jeu avec la perception voit le jour, dans lequel les champs de couleur semblent tantôt avancer, tantôt reculer. De cette manière, l’image en deux dimensions devient de plus en plus plastique et se transforme en une expérience visuelle d’abstraction illusionniste.
REBEKKA FRIEDLI (NÉE EN 1989 À BERNE, VIT ET TRAVAILLE À BERNE ET À ZURICH)
Le travail vidéo LEVEZA (2021) montre un corps nu, penché et vu de dos, sur un sol rocheux. À l’arrière-plan s’étend une mer que vient limiter, à l’horizon, un ciel laiteux. Les couleurs brumeuses et pastelles évoquent l’atmosphère silencieuse qui règne à l’aurore. L’enregistrement a quelque chose de pittoresque et de paisible, et diffuse un calme infini que le murmure de la mer vient souligner de manière acoustique. L’artiste travaille toujours avec son propre corps. La sensualité qui s’en dégage comporte en même temps une dimension extrêmement abstraite. Ainsi, la silhouette penchée au début de la vidéo évoque une sculpture en marbre. Pendant qu’elle se redresse lentement, elle semble quasiment androgyne, jusqu’à révéler enfin sa nature féminine. LEVEZA porte sur la désincarnation que nous tentons souvent de décrire à l’aide de concepts physiques. Ainsi, un mouvement intérieur se reflète dans l’apparence physique, tandis que l’extériorité visible devient, simultanément, un état intérieur.
REBEKKA FRIEDLI (*1989 IN BERN, LEBT UND ARBEITET IN BERN UND ZÜRICH)
Die Videoarbeit LEVEZA (2021) zeigt die gebeugte Rückenansicht eines nackten Körpers auf einem felsigen Boden. Der Hintergrund gibt den Blick auf ein Meer frei, das am Horizont von einem milchigen Himmel begrenzt wird. Die dunstige und pastellige Farbigkeit erinnert an die atmosphärische Stille während der Morgendämmerung. Die Aufnahme hat etwas Malerisches, Friedvolles und strahlt eine ungemeine Ruhe aus, die das Meeresrauschen akustisch unterstreicht. Die Künstlerin arbeitet stets mit ihrem eigenen Körper. Die Sinnlichkeit, die dabei spürbar wird, hat zugleich etwas extrem Abstraktes. So erinnert die gebeugte Gestalt zu Beginn des Videos an eine marmorne Skulptur. Während des langsamen Aufrichtens erscheint sie beinahe androgyn bis sie sich schliesslich als Frau offenbart. LEVEZA thematisiert das Körperlose, das wir oftmals mit Begriffen des Physischen zu umschreiben versuchen. So findet eine innere Bewegung ihre Entsprechung im physischen Äusseren, während das sichtbare Äussere gleichzeitig zu einer inneren Befindlichkeit wird.
ROKKO GOTTWALD (NÉ EN 1978 À BERNE, VIT ET TRAVAILLE À BERNE)
Les tableaux de Rokko Gottwald se succèdent comme les chapitres d’une histoire. Ils font partie de la série d’oeuvres intitulée The Tragedies (2021), dans laquelle l’artiste nous emmène dans un voyage autobiographique à travers son enfance.
L’oeuvre Me with my Parents (2021) montre un papier peint délavé orné de fleurs, auquel est accroché un portrait de famille. Le titre révèle qu’il s’agit du peintre et de ses parents. Les coloris mornes suggèrent une mélancolie et une tristesse qui se manifestent également dans la distance tangible entre les personnages, bien que ceux-ci se tiennent étroitement les uns à côté des autres, voire se touchent parfois. L’artiste a recouvert les visages des parents de peinture noire. Sa mère s’étant dévouée à son père alcoolique, sa relation avec son fils est demeurée plutôt superficielle.
L’oeuvre intitulée Dad drove our car into a tree, my Birthday 82 (2021) montre la juxtaposition macabre de l’alcool et d’un jouet pour enfant sur une table ronde. Le titre de l’oeuvre et le gâteau d’anniversaire permettent de comprendre qu’il s’agit du quatrième anniversaire de l’artiste. Ce jour-là, le père, ivre, a provoqué un accident de voiture. Les chaises demeurent vides, le gâteau intouché.
I wrote my own Melodrama, Winter 97 (2021) évoque l’année 1997, lorsque l’artiste a achevé sa formation et a ainsi pu quitter le domicile parental. On peut y voir le même papier peint fleuri. Mais au lieu du portrait de famille, c’est ici un autoportrait qui est accroché au mur. L’artiste regarde au loin avec confiance, prêt à vivre une nouvelle étape de son existence. Le lecteur de cassettes illustre l’importance de la musique qui l’a accompagné pendant cette période.
EMMANUEL WÜTHRICH (NÉ EN 1969 À DELÉMONT, VIT ET TRAVAILLE À PORRENTRUY)
Dans son oeuvre Naufrage - survivants - campements (2019), Emmanuel Wüthrich se penche sur la problématique persistante de la politique relative aux réfugiés. S’inspirant du « Radeau de la méduse » (1818-1819) de Théodore Géricault, l’artiste divise le tableau en quatre parties, dont chacune représente un destin. La description de Théodore Géricault d’un drame réel était révolutionnaire et montrait les derniers efforts des survivants, leur dernière chance de salut. Les travaux d’Emmanuel Wüthrich évoquent eux aussi, de par cette comparaison directe, de puissantes émotions. L’artiste attire notre attention sur le fait que les destins des personnes réfugiées tombent bien trop souvent dans l’oubli. Si les terribles images des frontières de l’Europe, des camps de réfugiés inhumains ou des nombreuses embarcations en Méditerranée ne sont pour nous que des images qui apparaissent furtivement dans les médias, la situation dramatique que vivent les réfugiés est réelle. L’artiste place ce fait effroyable sous nos yeux et montre de manière criante que la pandémie n’a fait que reléguer davantage cette tragédie à l’arrière-plan de notre conscience.
OLIVER KRÄHENBÜHL (NÉ EN 1963 À BÂLE, VIT ET TRAVAILLE À AARAU/SUHR)
Les aquarelles de la série d’oeuvres New Fragility (2021) montrent des structures graphiques linéaires dans lesquelles l’artiste retrace l’incertitude qui, depuis la pandémie, fait partie de notre quotidien immédiat. Ce qui était censé être immuable est soudain remis en question et les évolutions linéaires de l’économie et de la société, de même que les biographies personnelles, se fissurent. Le monde vacille sur ses bases. Oliver Krähenbühl illustre ce sentiment impuissant avec virtuosité. La linéarité des traits suggère la stabilité et l’ordre. Dans le même temps, de larges traits de peinture et des formes apathiques viennent briser le caractère inébranlable de ces structures fermement tracées. L’agencement linéaire ordonné suggère ainsi une impression d’extrême fragilité, qui est en outre intensifiée par le choix de l’artiste de laisser ces lignes se perdre dans des directions inconnues.
MARIA TACKMANN (NÉE EN 1982 À WATTENWIL, VIT ET TRAVAILLE À WALD)
L‘installation Ohne Titel [Sans titre] (2020) est composée de traces filigranes de sable. Maria Tackmann est connue pour ses fascinants arrangements composés à partir de matériaux et de dessins trouvés et rassemblés. L’artiste a tout d’abord étalé des morceaux de verre aux contours rectilignes ou brisés. Dans une deuxième étape, elle a rempli les espaces vides qui apparaissaient çà et là entre les morceaux à l’aide de sable, lequel circonscrit à son tour les zones libres laissées par les éclats de verre qui ont, entretemps, été enlevés. Les deux matériaux donnent ainsi naissance à un ensemble narratif interdépendant. Bien que le sable et le verre semblent constituer, au premier abord, deux matériaux opposés, ils sont l’un et l’autre empreints d’une fragilité évidente. Si le verre est translucide et fragile, le sable peut quant à lui être dispersé et emporté par un souffle d’air.
Maria Tackmann parvient ainsi non seulement à entremêler indissociablement deux matériaux divergents par l’intermédiaire de leur absence respective, mais également à illustrer, de par l’esthétique graphique de l’installation, le caractère éphémère de ces deux éléments.
MARIA TACKMANN (NÉE EN 1982 À WATTENWIL, VIT ET TRAVAILLE À WALD)
L‘installation Ohne Titel [Sans titre] (2020) est composée de traces filigranes de sable. Maria Tackmann est connue pour ses fascinants arrangements composés à partir de matériaux et de dessins trouvés et rassemblés. L’artiste a tout d’abord étalé des morceaux de verre aux contours rectilignes ou brisés. Dans une deuxième étape, elle a rempli les espaces vides qui apparaissaient çà et là entre les morceaux à l’aide de sable, lequel circonscrit à son tour les zones libres laissées par les éclats de verre qui ont, entretemps, été enlevés. Les deux matériaux donnent ainsi naissance à un ensemble narratif interdépendant. Bien que le sable et le verre semblent constituer, au premier abord, deux matériaux opposés, ils sont l’un et l’autre empreints d’une fragilité évidente. Si le verre est translucide et fragile, le sable peut quant à lui être dispersé et emporté par un souffle d’air.
Maria Tackmann parvient ainsi non seulement à entremêler indissociablement deux matériaux divergents par l’intermédiaire de leur absence respective, mais également à illustrer, de par l’esthétique graphique de l’installation, le caractère éphémère de ces deux éléments.
LUKAS HOFFMANN (NÉ EN 1981 À ZOUG, VIT ET TRAVAILLE À BERLIN)
Dans la série d’oeuvres intitulée Strassenbilder [Scènes de rue] (2018/2019), Lukas Hoffmann a immortalisé la dynamique agitée de la jungle urbaine. Ses photographies expressives sont autant d’extraits d’un ensemble plus vaste, d’une succession de faits et gestes qui n’est certes pas complètement visible, mais d’autant plus tangible.
Lukas Hoffmann a fixé la mise au point de son appareil grand format à 80 cm, ce qui lui a permis de prendre discrètement des photos à main levée. Cette utilisation inhabituelle de l’appareil a donné naissance à des clichés volés qui suggèrent un regard inaperçu, quasiment intime, et mettent en évidence des détails inhabituels tels que des mouvements, des postures corporelles, des textures et des plis ainsi que le jeu des ombres et des lumières. Ce sont des détails que nous percevons inconsciemment en passant et qui, souvent, se perdent de nouveau dans le caractère éphémère du moment. À l’aide de ses instantanés inhabituels, le photographe nous montre que ce sont pourtant avant tout ces fragments inaperçus qui capturent et permettent de ressentir l’atmosphère d’une ville.
LEA FRÖHLICHER (*1986 IN BERN, LEBT UND ARBEITET IN SOLOTHURN)
In ihrem Dokumentarfilm Bewegung im Stillstand (2021) hält Lea Fröhlicher die ungewisse Reise des Oltner Kulturlokals Coq d’Or durch die Schwierigkeiten des Lockdowns fest. In Anbetracht fehlender Gäste, stornierter Konzerte und der letztlichen Schliessung, begibt sich das Team auf die Suche nach einer neuen Identität für das Lokal. Die Künstlerin gewährt uns so nicht nur einen Einblick hinter die Kulissen eines Gastronomiebetriebes zu Zeiten der Pandemie, sondern erzählt zugleich eine Geschichte über kulturelle Entschleunigung, der emotionalen Suche nach neuen Chancen und Möglichkeiten, zerplatzten Träumen, eine Rückbesinnung auf das Wesentliche und Gedankenreisen in eine unsichere Zukunft.
MAJA RIEDER (*1979 IN KESTENHOLZ, LEBT UND ARBEITET IN BASEL)
Die grossformatigen Arbeiten gehören zu der 16-teiligen Werkserie Nazareth (2020), die aus verschiedenen Tuschemalereien besteht. Die Farbe wurde grossflächig Schicht für Schicht unter dem Aspekt einer diagonalen Teilung auf das Büttenpapier aufgetragen. Die so entstandenen Farbfelder lassen die Überlagerungen der verschiedenen Tuschen stellenweise erkennen und wecken so den Eindruck von Tiefenräumlichkeit. Rieder betrachtet das Papier als imaginären Raum. Die diagonalen Linien kontrastieren mit dem zum Teil lasierenden und dann wieder deckenden Farbauftrag. Ein Spiel der Wahrnehmung entsteht, dass die Farbfelder mal vor- und mal zurückspringen lässt. Auf diese Weise wird das zweidimensionale Bild zunehmend plastisch und zu einem visuellen Erlebnis illusionistischer Abstraktion.
LEA FRÖHLICHER (*1986 IN BERN, LEBT UND ARBEITET IN SOLOTHURN)
In ihrem Dokumentarfilm Bewegung im Stillstand (2021) hält Lea Fröhlicher die ungewisse Reise des Oltner Kulturlokals Coq d’Or durch die Schwierigkeiten des Lockdowns fest. In Anbetracht fehlender Gäste, stornierter Konzerte und der letztlichen Schliessung, begibt sich das Team auf die Suche nach einer neuen Identität für das Lokal. Die Künstlerin gewährt uns so nicht nur einen Einblick hinter die Kulissen eines Gastronomiebetriebes zu Zeiten der Pandemie, sondern erzählt zugleich eine Geschichte über kulturelle Entschleunigung, der emotionalen Suche nach neuen Chancen und Möglichkeiten, zerplatzten Träumen, eine Rückbesinnung auf das Wesentliche und Gedankenreisen in eine unsichere Zukunft.
ROKKO GOTTWALD (*1978 IN BERN, LEBT UND ARBEITET IN BERN)
Rokko Gottwalds Gemälde erscheinen in ihrer Abfolge wie eine Erzählung. Sie sind Teil der Werkserie The Tragedies (2021), in der uns der Künstler auf eine autobiografische Reise durch seine Kindheit mitnimmt.
Das Werk Me with my Parents (2021) zeigt eine verblasste Tapete mit Blumenornamenten, an der ein Familienportrait hängt. Der Titel verrät, dass es sich um den Maler und seine Eltern handelt. Die düstere Farbgebung suggeriert Melancholie und Schwermut, die auch in der spürbaren Distanz zwischen den Figuren zum Ausdruck kommt, obwohl sie auf dem Bild eng beieinanderstehen und sich teilweise sogar berühren. Die Gesichter der Eltern hat der Künstler schwarz übermalt. Während die Mutter sich für den alkoholkranken Vater aufopferte, blieb die Beziehung zu ihrem Sohn eher oberflächlich.
Das Werk Dad drove our car into a tree, my Birthday 82 (2021) zeigt die makabre Gegenüberstellung von Alkohol und Kinderspielzeug auf einem runden Tisch. Werktitel und Geburtstagskuchen verdeutlichen, dass es sich um den vierten Geburtstag des Malers handelt. An diesem Tag verursachte der Vater betrunken einen Autounfall. Die Stühle bleiben leer, der Kuchen unberührt.
I wrote my own Melodrama, Winter 97 (2021) handelt davon, dass der Künstler im Jahr 1997 seine Ausbildung abschloss und folglich aus dem Elternhaus ausziehen konnte. Zu sehen ist dieselbe geblümte Tapete. Doch anstelle des Familienportraits hängt hier ein Selbstbildnis an der Wand. Der Blick des Malers ist zuversichtlich in die Ferne gerichtet, bereit für einen neuen Lebensabschnitt. Der Kassettenrekorder verdeutlicht die Bedeutung der Musik, die ihn während dieser Zeit begleitete.
ALINE WITSCHI (*1995 IN BIEL/BIENNE, LEBT UND ARBEITET IN BIEL/BIENNE, BÜREN AN DER AARE UND ZÜRICH)
Die installative Arbeit Himmel und Hölle (2019) besteht aus gefalteten und ineinandergesteckten Papieren, deren Faltweise dem gleichnamigen Kinderspiel entnommen ist. Das Werk entstand, während die Künstlerin nebenberuflich als Kassiererin arbeitete. Witschi nahm den repetitiven Charakter dieser Tätigkeit auf und übersetzte ihn in ihre künstlerische Arbeit. Die immer gleiche Bewegungsabfolge bleibt in der Installation durch das einzelne Blatt ersichtlich. Gleichzeitig hinterfragt die Aneinanderreihung aber auch den Sinn der Wiederholung, indem die ineinandergesteckten Einzelteile eine neue Form entstehen lassen. Diese mag die Dichotomie der Repetition verdeutlichen, mit der sich die Künstlerin in ihrem Werk auseinandersetzt: Bedeutet Wiederholung Erlösung und Sicherheit oder Monotonie und Abstumpfung? Rückschritt oder Fortschritt?
Himmel oder Hölle?
RENATA BÜNTER (*1962 IN BÜREN, LEBT UND ARBEITET IN BERN)
Die Installation 116 Stäbe (2021) besteht aus rot angemalten Holzstäben, die an verschiedenen Stellen gebrochen und mit Gipsbinden wieder restauriert wurden. Der immer gleiche Prozess des Brechens, Flickens und Bemalens ist Teil des performativen Werkes und wird an jedem Ausstellungsort von der Künstlerin wiederholt. Auf diese Weise hinterlassen alle Präsentationen individuelle und unverkennbare Spuren, sodass Skulptur und Raum in einen Dialog treten. Während die Bruchstellen an vergangene Orte erinnern, nehmen die Stäbe durch ihre Präsentationsform immer auch einen direkten Bezug zum jeweiligen Raum. Beim Anlehnen an die Wand biegen sich die einzelnen Stecken und finden letztlich ihre Form selbst. Das Brechen suggeriert Verletzlichkeit, aber vermittelt zugleich auch einen filigranen Eindruck, der durch das Anlehnen der Holzstäbe an der Wand zusätzlich verstärkt wird.
ALINE WITSCHI (*1995 IN BIEL/BIENNE, LEBT UND ARBEITET IN BIEL/BIENNE, BÜREN AN DER AARE UND ZÜRICH)
Die installative Arbeit Himmel und Hölle (2019) besteht aus gefalteten und ineinandergesteckten Papieren, deren Faltweise dem gleichnamigen Kinderspiel entnommen ist. Das Werk entstand, während die Künstlerin nebenberuflich als Kassiererin arbeitete. Witschi nahm den repetitiven Charakter dieser Tätigkeit auf und übersetzte ihn in ihre künstlerische Arbeit. Die immer gleiche Bewegungsabfolge bleibt in der Installation durch das einzelne Blatt ersichtlich. Gleichzeitig hinterfragt die Aneinanderreihung aber auch den Sinn der Wiederholung, indem die ineinandergesteckten Einzelteile eine neue Form entstehen lassen. Diese mag die Dichotomie der Repetition verdeutlichen, mit der sich die Künstlerin in ihrem Werk auseinandersetzt: Bedeutet Wiederholung Erlösung und Sicherheit oder Monotonie und Abstumpfung? Rückschritt oder Fortschritt?
Himmel oder Hölle?
ALINE WITSCHI (*1995 IN BIEL/BIENNE, LEBT UND ARBEITET IN BIEL/BIENNE, BÜREN AN DER AARE UND ZÜRICH)
Die installative Arbeit Himmel und Hölle (2019) besteht aus gefalteten und ineinandergesteckten Papieren, deren Faltweise dem gleichnamigen Kinderspiel entnommen ist. Das Werk entstand, während die Künstlerin nebenberuflich als Kassiererin arbeitete. Witschi nahm den repetitiven Charakter dieser Tätigkeit auf und übersetzte ihn in ihre künstlerische Arbeit. Die immer gleiche Bewegungsabfolge bleibt in der Installation durch das einzelne Blatt ersichtlich. Gleichzeitig hinterfragt die Aneinanderreihung aber auch den Sinn der Wiederholung, indem die ineinandergesteckten Einzelteile eine neue Form entstehen lassen. Diese mag die Dichotomie der Repetition verdeutlichen, mit der sich die Künstlerin in ihrem Werk auseinandersetzt: Bedeutet Wiederholung Erlösung und Sicherheit oder Monotonie und Abstumpfung? Rückschritt oder Fortschritt?
Himmel oder Hölle?
EMMANUEL WÜTHRICH (*1969 IN DELÉMONT, LEBT UND ARBEITET IN PORRENTRUY)
Emmanuel Wüthrich beschäftigt sich in seiner Arbeit Nauffrage – survivants – campements (2019) mit der andauernden Problematik der Flüchtlingspolitik.
Ausgehend von Théodore Géricaults «Floss der Medusa» (1818– 1819), unterteilt der Künstler das Gemälde in vier Teile, die jeweils für ein Schicksal stehen. Géricaults Darstellung eines realen Dramas war revolutionär und zeigte die letzte Kraftanstrengung der Überlebenden, ihre letzte Chance auf Rettung. Auch Wüthrichs Arbeiten rufen in der direkten Gegenüberstellung starke Emotionen hervor.
Der Künstler macht uns darauf aufmerksam, dass die Schicksale der geflüchteten Menschen viel zu oft in Vergessenheit geraten. Während die Schreckensbilder von den Grenzen Europas, den menschenunwürdigen Flüchtlings- Camps oder den zahlreichen Booten im Mittelmeer bei uns nur wie kurzzeitige Momentaufnahmen in den Medien auftauchen, ist die dramatische Situation für die Geflüchteten real. Der Künstler hält uns diese erschreckende Tatsache vor Augen und macht deutlich, dass die Pandemie die Tragik nur noch weiter in den Hintergrund unseres Bewusstseins gerückt hat.
NINA RIEBEN (NÉE EN 1992 À BERNE, VIT ET TRAVAILLE À BERNE ET BÂLE)
Les photographies en grand format intitulées Sentimental Title, loading (2020) montrent des vues de couchers du soleil, dont chacune est brisée par une zone blanche. Ces espaces vides sont provoqués par un reflet sur la vitre et offrent un contraste éclatant avec le sombre crépuscule. Le blanc vif ne se démarque pas seulement de l’arrière- plan sombre : la forme rectiligne contraste également avec les formations de nuages organiques et floues. L’artiste explore l’interaction entre l’intérieur et l’extérieur, entre la proximité et la distance, entre la nature et la technique. L’ambiance du ciel crépusculaire résonne dans les zones claires de manière saisissante. Celles-ci laissent libre cours aux réflexions et se remplissent intuitivement de pensées, de sensations et d’associations qui demeurent
inexprimées.
LORENZ FISCHER (NÉ EN 1993 À BERNE, VIT ET TRAVAILLE À BERNE)
Dans la série d’oeuvres en cours intitulée Move with the Leaves - Shine with the Chrome (depuis 2020), l’artiste Lorenz Fischer se penche sur la technique graphique du frottage, qui consiste à transposer la structure superficielle d’un objet sur un papier posé sur celui-ci à l’aide d’un crayon à papier. Les éléments obtenus sont divisés en plusieurs parties, lesquelles sont ensuite fixées les uns aux autres, faisant ainsi apparaître des reliefs différents, dont l’effet et la catégorisation oscillent entre image et sculpture. À première vue, les oeuvres ressemblent à des sculptures en métal. Ce n’est qu’en y regardant de plus près que celles-ci se révèlent être des dessins sur papier. L’artiste instaure ainsi une interaction entre impression et réalité. Dans l’esprit des spectateurs, le graphique fragile devient un matériau apparemment solide et dur, dont la rigidité est à son tour remise en question par l’assemblage des éléments individuels.
Auf den ersten Blick wirken die Werke wie Plastiken aus Metall. Erst bei näherer Betrachtung offenbaren sie sich als Zeichnungen auf Papier. Der Künstler eröffnet so ein Wechselspiel zwischen Eindruck und Wirklichkeit. Die fragile Grafik wird in der Vorstellung der Betrachtenden zu einem scheinbar festen und harten Material, dessen Unbiegsamkeit wiederum durch das Aneinanderheften der einzelnen Fragmente in Frage gestellt wird.
OLIVER KRÄHENBÜHL (*1963 IN BASEL, LEBT UND ARBEITET IN AARAU/SUHR)
Die Aquarelle der Werkserie New Fragility (2021) zeigen grafisch anmutende Linienstrukturen, in denen der Künstler der Unsicherheit nachspürt, die seit der Pandemie unmittelbar zu unserem Alltag gehört. Vermeintlich Unverrückbares wird plötzlich in Frage gestellt und lineare Entwicklungen in Ökonomie und Gesellschaft wie auch persönliche Biografien bekommen Risse. Die Welt ist aus den Fugen geraten. Krähenbühl verdeutlicht dieses ohnmächtige Gefühl auf virtuose Weise. Die Geradlinigkeit der Striche suggeriert Stabilität und Ordnung. Gleichzeitig wird das Unumstössliche dieser festgefahrenen Strukturen durch breite Farbstriche und amorphe Formengebilde durchbrochen. Auf diese Weise erweckt die geordnete Linienstruktur einen ungemein fragilen Eindruck, der durch die Entscheidung des Künstlers, die Linien ins Ungewisse verlaufen zu lassen, zusätzlich verstärkt wird.
LUKAS HOFFMANN (NÉ EN 1981 À ZOUG, VIT ET TRAVAILLE À BERLIN)
Dans la série d’oeuvres intitulée Strassenbilder [Scènes de rue] (2018/2019), Lukas Hoffmann a immortalisé la dynamique agitée de la jungle urbaine. Ses photographies expressives sont autant d’extraits d’un ensemble plus vaste, d’une succession de faits et gestes qui n’est certes pas complètement visible, mais d’autant plus tangible.
Lukas Hoffmann a fixé la mise au point de son appareil grand format à 80 cm, ce qui lui a permis de prendre discrètement des photos à main levée. Cette utilisation inhabituelle de l’appareil a donné naissance à des clichés volés qui suggèrent un regard inaperçu, quasiment intime, et mettent en évidence des détails inhabituels tels que des mouvements, des postures corporelles, des textures et des plis ainsi que le jeu des ombres et des lumières. Ce sont des détails que nous percevons inconsciemment en passant et qui, souvent, se perdent de nouveau dans le caractère éphémère du moment. À l’aide de ses instantanés inhabituels, le photographe nous montre que ce sont pourtant avant tout ces fragments inaperçus qui capturent et permettent de ressentir l’atmosphère d’une ville.
LEA FRÖHLICHER (NÉE EN 1986 À BERNE, VIT ET TRAVAILLE À SOLEURE)
Dans son film documentaire intitulé Bewegung im Stillstand [Mouvement à l’arrêt] (2021), Lea Fröhlicher immortalise le parcours incertain du local culturel oltenois Coq d’Or à travers les difficultés posées par le confinement. Au regard du manque de clients, de l’annulation des concerts et, finalement, de la fermeture, l’équipe part à la recherched’une nouvelle identité pour le local. L’artiste nous fournit ainsi non seulement un aperçu des coulisses d’un établissement gastronomique durant la pandémie, mais nous raconte dans le même temps une histoire sur le ralentissement culturel, la recherche émotionnelle de nouvelles chances et de nouvelles opportunités, les rêves brisés et le retour à l’essentiel, et évoque des périples imaginaires dans un avenir incertain.
ROKKO GOTTWALD (*1978 IN BERN, LEBT UND ARBEITET IN BERN)
Rokko Gottwalds Gemälde erscheinen in ihrer Abfolge wie eine Erzählung. Sie sind Teil der Werkserie The Tragedies (2021), in der uns der Künstler auf eine autobiografische Reise durch seine Kindheit mitnimmt.
Das Werk Me with my Parents (2021) zeigt eine verblasste Tapete mit Blumenornamenten, an der ein Familienportrait hängt. Der Titel verrät, dass es sich um den Maler und seine Eltern handelt. Die düstere Farbgebung suggeriert Melancholie und Schwermut, die auch in der spürbaren Distanz zwischen den Figuren zum Ausdruck kommt, obwohl sie auf dem Bild eng beieinanderstehen und sich teilweise sogar berühren. Die Gesichter der Eltern hat der Künstler schwarz übermalt. Während die Mutter sich für den alkoholkranken Vater aufopferte, blieb die Beziehung zu ihrem Sohn eher oberflächlich.
Das Werk Dad drove our car into a tree, my Birthday 82 (2021) zeigt die makabre Gegenüberstellung von Alkohol und Kinderspielzeug auf einem runden Tisch. Werktitel und Geburtstagskuchen verdeutlichen, dass es sich um den vierten Geburtstag des Malers handelt. An diesem Tag verursachte der Vater betrunken einen Autounfall. Die Stühle bleiben leer, der Kuchen unberührt.
I wrote my own Melodrama, Winter 97 (2021) handelt davon, dass der Künstler im Jahr 1997 seine Ausbildung abschloss und folglich aus dem Elternhaus ausziehen konnte. Zu sehen ist dieselbe geblümte Tapete. Doch anstelle des Familienportraits hängt hier ein Selbstbildnis an der Wand. Der Blick des Malers ist zuversichtlich in die Ferne gerichtet, bereit für einen neuen Lebensabschnitt. Der Kassettenrekorder verdeutlicht die Bedeutung der Musik, die ihn während dieser Zeit begleitete.
ALINE WITSCHI (*1995 IN BIEL/BIENNE, LEBT UND ARBEITET IN BIEL/BIENNE, BÜREN AN DER AARE UND ZÜRICH)
Die installative Arbeit Himmel und Hölle (2019) besteht aus gefalteten und ineinandergesteckten Papieren, deren Faltweise dem gleichnamigen Kinderspiel entnommen ist. Das Werk entstand, während die Künstlerin nebenberuflich als Kassiererin arbeitete. Witschi nahm den repetitiven Charakter dieser Tätigkeit auf und übersetzte ihn in ihre künstlerische Arbeit. Die immer gleiche Bewegungsabfolge bleibt in der Installation durch das einzelne Blatt ersichtlich. Gleichzeitig hinterfragt die Aneinanderreihung aber auch den Sinn der Wiederholung, indem die ineinandergesteckten Einzelteile eine neue Form entstehen lassen. Diese mag die Dichotomie der Repetition verdeutlichen, mit der sich die Künstlerin in ihrem Werk auseinandersetzt: Bedeutet Wiederholung Erlösung und Sicherheit oder Monotonie und Abstumpfung? Rückschritt oder Fortschritt?
Himmel oder Hölle?
ROKKO GOTTWALD (NÉ EN 1978 À BERNE, VIT ET TRAVAILLE À BERNE)
Les tableaux de Rokko Gottwald se succèdent comme les chapitres d’une histoire. Ils font partie de la série d’oeuvres intitulée The Tragedies (2021), dans laquelle l’artiste nous emmène dans un voyage autobiographique à travers son enfance.
L’oeuvre Me with my Parents (2021) montre un papier peint délavé orné de fleurs, auquel est accroché un portrait de famille. Le titre révèle qu’il s’agit du peintre et de ses parents. Les coloris mornes suggèrent une mélancolie et une tristesse qui se manifestent également dans la distance tangible entre les personnages, bien que ceux-ci se tiennent étroitement les uns à côté des autres, voire se touchent parfois. L’artiste a recouvert les visages des parents de peinture noire. Sa mère s’étant dévouée à son père alcoolique, sa relation avec son fils est demeurée plutôt superficielle.
L’oeuvre intitulée Dad drove our car into a tree, my Birthday 82 (2021) montre la juxtaposition macabre de l’alcool et d’un jouet pour enfant sur une table ronde. Le titre de l’oeuvre et le gâteau d’anniversaire permettent de comprendre qu’il s’agit du quatrième anniversaire de l’artiste. Ce jour-là, le père, ivre, a provoqué un accident de voiture. Les chaises demeurent vides, le gâteau intouché.
I wrote my own Melodrama, Winter 97 (2021) évoque l’année 1997, lorsque l’artiste a achevé sa formation et a ainsi pu quitter le domicile parental. On peut y voir le même papier peint fleuri. Mais au lieu du portrait de famille, c’est ici un autoportrait qui est accroché au mur. L’artiste regarde au loin avec confiance, prêt à vivre une nouvelle étape de son existence. Le lecteur de cassettes illustre l’importance de la musique qui l’a accompagné pendant cette période.
SÉBASTIEN SCHNYDER (NÉ EN 1990 À BASSECOURT, VIT ET TRAVAILLE À GENÈVE)
L’installation sculpturale Résonance (2020) est composée de vieilles lames de parquet. À première vue, on a l’impression que les lattes de bois ont été incidemment amoncelées dans un coin. Les chevrons sont pourtant encore clairement visibles, de sorte que le sol semble avoir été soigneusement détaché de sa structure d’origine et transféré dans la salle d’exposition. Depuis l’installation sonore dissimulée sous les planches de bois résonne le bruit d’un parquet grinçant. Immédiatement, les vieilles lattes amoncelées contre le mur se transforment en un corps qui semble vivant, et renvoient à un événement passé qui n’existe plus en tant que tel.
D’une manière saisissante, l’artiste capture ainsi l’esprit de la salle d’origine et, grâce à l’évocation sonore d’un moment passé, perpétue le souvenir de ce lieu.
PHILIPP SCHAERER (NÉ EN 1972 À ZURICH, VIT ET TRAVAILLE À STEFFISBURG ET À ZURICH)
Les travaux de la série Codex N (2020) montrent des structures organiques et cristallines qui évoquent en nous des vues microscopiques. L’artiste joue délibérément avec la saisie documentaire de la réalité : l’objet semble littéralement flotter dans l’arrière-plan neutre, intensifiant ainsi l’aspect surréel de l’apparition des motifs reproduits. Les corps tridimensionnels ressemblent aux illustrations d’un dictionnaire spécialisé, et pourtant nous ne pouvons les associer à aucun contexte.
Les objets sculpturaux se basent sur une forme élémentaire organique que l’artiste a multipliée et déformée à l’ordinateur. Ainsi, les structures présentent, d’une part, une qualité et un caractère tangible naturalistes mais, dans le même temps, semblent dérangeantes et éloignées de la réalité. Avec ses travaux, Philipp Schaerer nous montre notre propre incapacité à différencier avec certitude l’image originale de la reproduction et attire notre attention sur l’amalgame croissant entre la numérisation et la réalité.
COLLECTIF FUTAL (TIPHAINE ALLEMANN, NÉE EN
1989 À DELÉMONT, VIT ET TRAVAILLE À DELÉMONT /
FLOYD GRIMM, NÉ EN 1993 À BIEL/BIENNE, VIT ET
TRAVAILLE À BIEL/BIENNE)
L’oeuvre intitulée Finito (2021) fourmille littéralement de variations de couleurs et de formes. Le regard glisse d’un champ de couleur à l’autre, et s’attarde parfois sur des motifs familiers provenant de la culture pop américaine et japonaise : parmi ceux-ci figurent, par exemple, ce cercle dans la partie supérieure droite de l’image, ou la figurine d’action blonde et bronzée. Si le cercle évoque une balle volante de Pokémon, avec laquelle on peut capturer des Pokémons sauvages, le héros blond ressemble au guerrier Larn du dessin animé fantastique américain « Fire and Ice » (1983), qui doit non seulement retrouver une princesse enlevée, mais également protéger l’humanité de la période glaciaire et de l’asservissement à un méchant roi. La composition de l’oeuvre, qui repose sur des sections dessinées et retravaillées à l’aide de Photoshop, vise à contrebalancer la profusion de couleurs et de formes et fait ainsi allusion à l’abondance à laquelle nous sommes confrontés, non seulement par l’intermédiaire des films et de la télévision, mais également dans notre quotidien.
SIMONE HAUG (NÉE EN 1981 À BERNE, VIT ET TRAVAILLE À BIEL/BIENNE)
Les peintures de Simone Haug montrent uniquement des traces de couleur - de dynamiques coups de pinceau rouges et des touches de couleur noire isolées sur un fond blanc. Le langage formel est réduit à l’essentiel et pourtant, le motif des oeuvres est littéralement perceptible. La série Résonance (2020) fait partie d’un vaste groupe d’oeuvres auquel l’artiste travaille depuis 2019. Le point de départ de chaque peinture est la rencontre avec un être humain, un groupe de personnes ou un événement. Les rencontres ont invariablement quelque chose de fugace et d’imprévisible. Dans le même temps, elles sont toujours uniques. Avec une sensibilité évidente, la peintre explore la spécificité de ces instants et exprime celle-ci artistiquement par l’intermédiaire des traces de couleur qui paraissent avoir été apposées incidemment. Chaque coup de pinceau semble capter l’essence de ces rencontres. Le tableau devient alors un espace indéfini dans lequel résonnent les réactions et les sensations de l’artiste.
ALINE WITSCHI (NÉE EN 1995 À BIEL/BIENNE, VIT ET TRAVAILLE À BIEL/BIENNE, À BÜREN AN DER AARE ET À ZURICH)
Le travail sculptural Himmel und Hölle [Ciel et enfer] (2019) est composé de papiers pliés et insérés les uns dans les autres, dont le mode de pliage s’inspire du jeu pour enfants du même nom. L’oeuvre a vu le jour au cours de la période où l’artiste a travaillé en tant que caissière dans le cadre d’un emploi secondaire. Aline Witschi a repris la dimension répétitive de cette activité pour la transposer dans son travail artistique : dans l’installation, la succession des feuilles vient souligner le caractère immuablement identique de la séquence de mouvements. Mais dans le même temps, la juxtaposition remet également en question le sens de la répétition, dans la mesure où les parties insérées les unes dans les autres donnent naissance à une nouvelle forme. Celle-ci vise à illustrer la dichotomie de la répétition que l’artiste explore dans son oeuvre : la répétition est-elle synonyme de rédemption et de sécurité, ou de monotonie et d’abrutissement ? De régression ou de progrès ? De ciel ou d’enfer ?
KOTSCHA REIST (NÉ EN 1963 À BERNE, VIT ET TRAVAILLE À BERNE)
Pour les cinq collages en grand format de la série d’oeuvres SO FAR SO GOD (2021), Kotscha Reist recourt à ses propres peintures des dix dernières années. Les tableaux de l’artiste se basent sur des photographies trouvées ou sur des illustrations provenant de supports imprimés qu’il interprète librement dans ses travaux et place dans de nouveaux contextes. Son langage formel est réduit à l’essentiel. Cette caractéristique se retrouve également dans ses collages. Le choix des images et le découpage successif de celles-cirequiert une analyse approfondie de sa propre oeuvre et donne naissance non seulement à une réinterprétation formelle de ses créations picturales, mais également à des compositions visuelles entièrement différentes. SO FAR SO GOD contient des motifs familiers tels que des êtres humains dans des poses inhabituelles, des animaux et des structures de branches qui apparaissent constamment dans ses peintures. L’artiste crée à partir des segments individuels de nouveaux contenus visuels et de nouvelles narrations, qui sont en outre complétés de peintures sous verre géométriques. Celles-ci sont intégrées dans la surface de verre du cadre existant, intensifiant par là-même la perception spatiale.
EMMANUEL WÜTHRICH (NÉ EN 1969 À DELÉMONT, VIT ET TRAVAILLE À PORRENTRUY)
Dans son oeuvre Naufrage - survivants - campements (2019), Emmanuel Wüthrich se penche sur la problématique persistante de la politique relative aux réfugiés. S’inspirant du « Radeau de la méduse » (1818-1819) de Théodore Géricault, l’artiste divise le tableau en quatre parties, dont chacune représente un destin. La description de Théodore Géricault d’un drame réel était révolutionnaire et montrait les derniers efforts des survivants, leur dernière chance de salut. Les travaux d’Emmanuel Wüthrich évoquent eux aussi, de par cette comparaison directe, de puissantes émotions. L’artiste attire notre attention sur le fait que les destins des personnes réfugiées tombent bien trop souvent dans l’oubli. Si les terribles images des frontières de l’Europe, des camps de réfugiés inhumains ou des nombreuses embarcations en Méditerranée ne sont pour nous que des images qui apparaissent furtivement dans les médias, la situation dramatique que vivent les réfugiés est réelle. L’artiste place ce fait effroyable sous nos yeux et montre de manière criante que la pandémie n’a fait que reléguer davantage cette tragédie à l’arrière-plan de notre conscience.
MARIA TACKMANN (*1982 IN WATTENWIL,LEBT UND ARBEITET IN WALD)
Die Installation Ohne Titel (2020) besteht aus filigranen Spuren aus Sand. Maria Tackmann ist bekannt für eindrückliche Arrangements aus gefundenen und gesammelten Materialien und Zeichnungen. Die Künstlerin legte zunächst geradlinige wie gebrochene Glasstücke aus. Die Leerstellen, die sich teilweise zwischen den einzelnen Feldern ergaben, füllten sich in einem zweiten Schritt mit Sand, der wiederum die freien Bereiche der daraufhin weggenommenen Glasscherben umreisst. So treten beide Materialien in ein narratives Ensemble, dass sich gegenseitig bedingt. Sand und Glas wirken auf den ersten Blick konträr, dennoch ist beiden Materialien eine offensichtliche Fragilität zu eigen. Während Glas durchsichtig und zerbrechlich ist, kann Sand durch einen Windhauch verwehen und fortgetragen werden. So vermag Tackmann nicht nur zwei divergierende Materialien durch ihre jeweilige Absenz untrennbar miteinander verweben, sondern sie verdeutlicht durch die grafisch anmutende Ästhetik der Installation zudem die Vergänglichkeit beider Elemente.
NINA RIEBEN (NÉE EN 1992 À BERNE, VIT ET TRAVAILLE À BERNE ET BÂLE)
Les photographies en grand format intitulées Sentimental Title, loading (2020) montrent des vues de couchers du soleil, dont chacune est brisée par une zone blanche. Ces espaces vides sont provoqués par un reflet sur la vitre et offrent un contraste éclatant avec le sombre crépuscule. Le blanc vif ne se démarque pas seulement de l’arrière- plan sombre : la forme rectiligne contraste également avec les formations de nuages organiques et floues. L’artiste explore l’interaction entre l’intérieur et l’extérieur, entre la proximité et la distance, entre la nature et la technique. L’ambiance du ciel crépusculaire résonne dans les zones claires de manière saisissante. Celles-ci laissent libre cours aux réflexions et se remplissent intuitivement de pensées, de sensations et d’associations qui demeurent
LEA FRÖHLICHER (NÉE EN 1986 À BERNE, VIT ET TRAVAILLE À SOLEURE)
Dans son film documentaire intitulé Bewegung im Stillstand [Mouvement à l’arrêt] (2021), Lea Fröhlicher immortalise le parcours incertain du local culturel oltenois Coq d’Or à travers les difficultés posées par le confinement. Au regard du manque de clients, de l’annulation des concerts et, finalement, de la fermeture, l’équipe part à la recherched’une nouvelle identité pour le local. L’artiste nous fournit ainsi non seulement un aperçu des coulisses d’un établissement gastronomique durant la pandémie, mais nous raconte dans le même temps une histoire sur le ralentissement culturel, la recherche émotionnelle de nouvelles chances et de nouvelles opportunités, les rêves brisés et le retour à l’essentiel, et évoque des périples imaginaires dans un avenir incertain.
COLLECTIF FUTAL (TIPHAINE ALLEMANN, NÉE EN
1989 À DELÉMONT, VIT ET TRAVAILLE À DELÉMONT /
FLOYD GRIMM, NÉ EN 1993 À BIEL/BIENNE, VIT ET
TRAVAILLE À BIEL/BIENNE)
L’oeuvre intitulée Finito (2021) fourmille littéralement de variations de couleurs et de formes. Le regard glisse d’un champ de couleur à l’autre, et s’attarde parfois sur des motifs familiers provenant de la culture pop américaine et japonaise : parmi ceux-ci figurent, par exemple, ce cercle dans la partie supérieure droite de l’image, ou la figurine d’action blonde et bronzée. Si le cercle évoque une balle volante de Pokémon, avec laquelle on peut capturer des Pokémons sauvages, le héros blond ressemble au guerrier Larn du dessin animé fantastique américain « Fire and Ice » (1983), qui doit non seulement retrouver une princesse enlevée, mais également protéger l’humanité de la période glaciaire et de l’asservissement à un méchant roi. La composition de l’oeuvre, qui repose sur des sections dessinées et retravaillées à l’aide de Photoshop, vise à contrebalancer la profusion de couleurs et de formes et fait ainsi allusion à l’abondance à laquelle nous sommes confrontés, non seulement par l’intermédiaire des films et de la télévision, mais également dans notre quotidien.
ANKE ZÜRN (NÉE EN 1964 À WIESBADEN, VIT ET TRAVAILLE À BIEL/BIENNE)
Les travaux en petit format montrent des vues abstraites de structures et de formations organiques. Sur certains d’entre eux, nous croyons reconnaître des fibres végétales ou des insectes, d’autres évoquent en revanche des méduses et des créatures marines. Les oeuvres font partie de la série en cours ON GROWTH AND FORM, à laquelle Anke Zürn travaille depuis 2020. À partir d’expériences ludiques à l’aide d’encre de Chine, de gouaches et d’aquarelles, des études de matériaux ont vu le jour, qui illustrent la réaction de différentes couleurs à base aqueuse sur le papier. Anke Zürn s’intéresse avant tout au processus de genèse de la forme en association avec des matériaux prédéterminés. Bien que les travaux ne représentent aucune espèce existante concrète, son travail est empreint d’un caractère particulièrement méthodique, qui évoque desétudes académiques. Le titre et le processus de travail s’inspirent d’écrits théoriques célèbres tels que « On Growth and Form » de D’Arcy Wentworth Thompson (1917) et « Der Bildungstrieb der Stoffe » [« L’instinct de formation des substances »] de Friedlieb Ferdinand Runge (1855). Le format évoque lui aussi la taille d’illustrations scientifiques.
MARLYS BRATSCHI (NÉE EN 1956 À BIEL/BIENNE, VIT ET TRAVAILLE À BRÜGG)
L‘installation Am Ende der Arbeit [À la fin du travail] (2020) est composée d’une multitude de limes qui diffèrent de par leur taille et leur forme, ainsi que de par leur structure et leur degré de finesse, et illustrent l’utilisation variée qui peut être faite de cet objet d’usage courant. L’artiste associe à l’outil la résistance et la force physique, mais également la vulnérabilité. Les limes la fascinent. Pour cette raison, elle a posté une annonce dans un journal local et a fait une constatation intéressante : ce sont exclusivement des veuves qui ont répondu à son annonce. La signification évidente de l’outil et le lien affectif qu’il représente aux yeux des hommes qui ont travaillé à l’aide de celui-ci toute leur vie durant deviennent, par résonance, parfaitement clairs. Marlys Bratschi transpose ce fait compréhensible, mais tout de même surprenant d’évidence, en un agencement bien équilibré. Ainsi, l’outil ressemble, dans son oeuvre, à un motif filigrane qui transforme les limes, en dépit de la texture rugueuse et grossière de leur surface, en des objets esthétiques, dont elle reflète de manière saisissante la valeur conceptuelle.
KOTSCHA REIST (*1963 IN BERN, LEBT UND ARBEITET IN BERN)
Für die fünf grossformatigen Collagen der Werkserie SO FAR SO GOD (2021) verwendet Kotscha Reist eigene Malereien aus den vergangenen zehn Jahren.
Den Gemälden des Künstlers liegen gefundene Fotografien oder Abbildungen aus Printmedien zugrunde, die er in seinen Bildern frei interpretiert und in neue Kontexte setzt. Seine Formensprache ist auf das Wesentliche reduziert. Dieses Charakteristikum wird auch in seinen Collagen deutlich. Die Auswahl der Bilder und das anschliessende Zerschneiden dieser erfordert eine tiefgründige Auseinandersetzungmit dem eigenen OEuvre und führt nicht nur zu einer formalen Neu-Interpretierung seines malerischen Schaffens, sondern auch zu gänzlich anderen Bildkompositionen.
In SO FAR SO GOD lassen sich vertraute Motive wie Menschen in ungewöhnlichen Posen, Tiere und Aststrukturen finden, die in seinen Malereien immer wieder auftauchen. Der Künstler erschafft aus den einzelnen Segmenten neue Bildinhalte und Narrationen, die zusätzlich durch geometrische Hinterglasmalereien ergänzt werden. Diese sind in die Glasfläche des bestehenden Bilderrahmens integriert, sodass die räumliche Wahrnehmung verstärkt wird.
COLLECTIF FUTAL (TIPHAINE ALLEMANN, *1989 IN DELÉMONT, LEBT UND ARBEITET IN DELÉMONT / FLOYD GRIMM, *1993 IN BIEL/BIENNE, LEBT UND ARBEITET IN BIEL/BIENNE)
Das Werk Finito (2021) strotzt regelrecht vor Farb- und Formenvariationen. Der Blick springt von Farbfeld zu Farbfeld und bleibt gelegentlich bei vertrauten Motiven aus der amerikanischen und japanischen Popkultur hängen: Da ist zum Beispiel dieser Kreis am oberen rechten Bildrand oder die braungebrannte, blonde Actionfigur. Während der Kreis an einen fliegenden Pokémon-Ball erinnert, mit dem man wilde Pokémons einfangen kann, ähnelt der blonde Held dem Krieger Larn aus dem amerikanischen Fantasy-Zeichentrickfilm «Fire and Ice» (1983), der nicht nur eine entführte Prinzessin finden, sondern auch die Menschheit vor der Eiszeit und der Unterjochung durch einen bösen König bewahren muss. Die Komposition der Arbeit, die sich aus gezeichneten und mit Photoshop bearbeiteten Bereichen zusammensetzt, versucht die Fülle an Farben und Formen auszubalancieren und spielt damit auf den Überfluss an, mit dem wir tagtäglich, nicht nur durch Film und Fernsehen, konfrontiert werden.
LUKAS HOFFMANN (*1981 IN ZUG, LEBT UND ARBEITET IN BERLIN)
In der Werkserie Strassenbilder (2018/2019) hat Lukas Hoffmann das dynamische Treiben der Grossstadt festgehalten.
Seine ausdrucksstarken Fotografien erscheinen wie Ausschnitte aus einem grösseren Ganzen, einem Geschehen, das zwar nicht vollends sichtbar, aber dafür umso greifbarer wird.
Hoffmann stellte den Fokus seiner Grossbildkamera auf 80 cm ein und machte so aus freier Hand unauffällig Aufnahmen.
Durch diese unübliche Verwendung der Kamera entstanden Zufallsbilder, die einen unbemerkten, fast schon intimen Blick suggerieren und aussergewöhnliche Details wie Bewegungen, Körperhaltungen, Texturen, Faltenwürfe und das Spiel aus Licht und Schatten in den Blickpunkt rücken. Es sind Details, die wir im Vorübergehen unbewusst wahrnehmen und die in der Flüchtigkeit des Augenblicks oftmals wieder verloren gehen. Der Fotograf führt uns mit seinen ungewöhnlichen Momentaufnahmen vor Augen, dass es jedoch vor allem diese unbemerkten Fragmente sind, die die Atmosphäre einer Stadt einfangen und spürbar werden lassen.
NINA RIEBEN (*1992 IN BERN, LEBT UND ARBEITET IN BERN UND BASEL)
Die grossformatigen Fotografien Sentimental Title, loading (2020) zeigen Aufnahmen von Sonnenuntergängen, die jeweils von einem weissen Feld durchbrochen werden.
Diese Leerstellen entstanden durch die Reflexion auf der Fensterscheibe und stehen in starkem Kontrast zum dämmrigen Abendrot. Nicht nur das grelle Weiss hebt sich deutlich von dem dunklen Hintergrund ab, auch die gerade Form kontrastiert zu den organischen und verschwommenen Wolkenformationen.
Die Künstlerin untersucht die Wechselwirkung zwischen Innen und Aussen, zwischen Nähe und Distanz, Natur und Technik. Die Stimmung des Abendhimmels klingt in den hellen Feldern auf eindrückliche Weise nach. Sie geben Raum für Reflexionen und füllen sich beinahe intuitiv mit Gedanken, Empfindungen und Assoziationen, die unausgesprochen bleiben.
LORENZ FISCHER (*1993 IN BERN, LEBT UND ARBEITET IN BERN)
In der fortlaufenden Werkserie Move with the Leaves – Shine with the Chrome (seit 2020) befasst sich der Künstler Lorenz Fischer mit der grafischen Technik der Frottage (Abreibung), bei der die Oberflächenstruktur eines Objekts mithilfe eines Bleistifts auf ein darüberliegendes Papier übertragen wird. Das Zerteilen und anschliessende Zusammenheften der einzelnen Elemente lassen unterschiedliche Reliefe entstehen, die in ihrer Wirkung und Kategorisierung zwischen Bild und Skulptur changieren.
Auf den ersten Blick wirken die Werke wie Plastiken aus Metall. Erst bei näherer Betrachtung offenbaren sie sich als Zeichnungen auf Papier. Der Künstler eröffnet so ein Wechselspiel zwischen Eindruck und Wirklichkeit. Die fragile Grafik wird in der Vorstellung der Betrachtenden zu einem scheinbar festen und harten Material, dessen Unbiegsamkeit wiederum durch das Aneinanderheften der einzelnen Fragmente in Frage gestellt wird.
PHILIPP SCHAERER (*1972 IN ZÜRICH, LEBT UND ARBEITET IN STEFFISBURG UND ZÜRICH)
Die Arbeiten der Serie Codex N (2020) zeigen organischkristalline Strukturen, die uns an mikroskopische Aufnahmen erinnern. Der Künstler spielt bewusst mit der dokumentarischen Erfassung der Wirklichkeit – das Objekt scheint vor dem neutralen Hintergrund regelrecht zu schweben. Auf diese Weise wird die surreale Erscheinungsweise der abgebildeten Motive verstärkt. Die dreidimensionalen Körper wirken wie Abbildungen aus einem Fachlexikon und dennoch können wir sie keinem Kontext zuordnen.
Die skulpturalen Objekte basieren auf einer organischen Elementarform, die der Künstler am Computer multipliziert und deformiert hat. So weisen die Strukturen einerseits eine naturalistische Qualität und Greifbarkeit auf, wirken aber gleichzeitig irritierend und realitätsfremd. Schaerer hält uns mit seiner Arbeit unsere eigene Unsicherheit vor Augen, zwischen Bild und Abbild zu unterscheiden und macht uns auf die zunehmende Vermischung von Digitalisierung und Realität aufmerksam.
MARLYS BRATSCHI (*1956 IN BIEL/BIENNE, LEBT UND ARBEITET IN BRÜGG)
Die Installation Am Ende der Arbeit (2020) besteht aus einer Vielzahl an Feilen, die sich sowohl in ihrer Grösse und Form, wie auch in ihrer Struktur und Feinheit unterscheiden und den vielseitigen Einsatz jenes Gebrauchsgegenstands verdeutlichen. Ausdauer und Körperkraft, aber auch Verwundbarkeit, sind Assoziationen, die die Künstlerin mit dem Werkzeug in Verbindung bringt. Feilen faszinieren sie. Deshalb schaltet sie eine Annonce in einer Lokalzeitung und macht eine interessante Feststellung: Auf ihre Anzeige melden sich ausschliesslich verwitwete Frauen.
Die augenscheinliche Bedeutung und emotionale Verbundenheit, die das Werkzeug auf Männer ausübt, die Zeit ihres Lebens damit gearbeitet haben, wird in Anbetracht der Resonanz überdeutlich.
Bratschi übersetzt diese nachvollziehbare, aber in ihrer Evidenz dennoch überraschende Tatsache in eine wohlkomponierte Anordnung. So erscheint das Werkzeug in ihrem Werk wie ein filigranes Muster, dass die Feilen trotz ihrer rauen und groben Oberflächenbeschaffenheit zu ästhetischen Objekten werden lässt und den ideellen Wert auf eindrückliche Weise widerspiegelt.
LUKAS HOFFMANN (*1981 IN ZUG, LEBT UND ARBEITET IN BERLIN)
In der Werkserie Strassenbilder (2018/2019) hat Lukas Hoffmann das dynamische Treiben der Grossstadt festgehalten.
Seine ausdrucksstarken Fotografien erscheinen wie Ausschnitte aus einem grösseren Ganzen, einem Geschehen, das zwar nicht vollends sichtbar, aber dafür umso greifbarer wird.
Hoffmann stellte den Fokus seiner Grossbildkamera auf 80 cm ein und machte so aus freier Hand unauffällig Aufnahmen.
Durch diese unübliche Verwendung der Kamera entstanden Zufallsbilder, die einen unbemerkten, fast schon intimen Blick suggerieren und aussergewöhnliche Details wie Bewegungen, Körperhaltungen, Texturen, Faltenwürfe und das Spiel aus Licht und Schatten in den Blickpunkt rücken. Es sind Details, die wir im Vorübergehen unbewusst wahrnehmen und die in der Flüchtigkeit des Augenblicks oftmals wieder verloren gehen. Der Fotograf führt uns mit seinen ungewöhnlichen Momentaufnahmen vor Augen, dass es jedoch vor allem diese unbemerkten Fragmente sind, die die Atmosphäre einer Stadt einfangen und spürbar werden lassen.
ANKE ZÜRN (*1964 IN WIESBADEN (D), LEBT UND
ARBEITET IN BIEL/BIENNE)
Die kleinformatigen Arbeiten zeigen abstrahierte Ansichten von organischen Strukturen und Organismen. Auf manchen Bildern glauben wir Pflanzenfasern oder Insekten zu erkennen, andere wiederum erinnern an Quallen und Meereslebewesen.
Die Werke sind Teil der fortlaufenden Serie ON GROWTH AND FORM, an der Anke Zürn seit 2020 arbeitet. Aus spielerischen Experimenten mit Tusche, Gouachen und Aquarellfarben, sind Materialstudien entstanden, die die Reaktion unterschiedlicher wasserbasierter Farben auf Papier verdeutlichen.
Zürn geht es dabei primär um den Entstehungsprozess der Form in Verbindung mit vorgegebenen Materialien. So weist die Arbeit, obwohl die Bilder keine konkret existierenden Spezies darstellen, einen durchaus methodischen Charakter auf, der an akademische Studien denken lässt. Titel und Arbeitsweise orientieren sich an bekannte theoretische Schriftenwie D’Arcy Wentworth Thompsons «On Growth and Form» (1917) und Friedlieb Ferdinand Runges «Der Bildungstrieb der Stoffe» (1855). Auch das Format ist an die Grösse wissenschaftlicher Illustrationen angelehnt.
NINA RIEBEN (*1992 IN BERN, LEBT UND ARBEITET IN BERN UND BASEL)
Die grossformatigen Fotografien Sentimental Title, loading (2020) zeigen Aufnahmen von Sonnenuntergängen, die jeweils von einem weissen Feld durchbrochen werden.
Diese Leerstellen entstanden durch die Reflexion auf der Fensterscheibe und stehen in starkem Kontrast zum dämmrigen Abendrot. Nicht nur das grelle Weiss hebt sich deutlich von dem dunklen Hintergrund ab, auch die gerade Form kontrastiert zu den organischen und verschwommenen Wolkenformationen.
Die Künstlerin untersucht die Wechselwirkung zwischen Innen und Aussen, zwischen Nähe und Distanz, Natur und Technik. Die Stimmung des Abendhimmels klingt in den hellen Feldern auf eindrückliche Weise nach. Sie geben Raum für Reflexionen und füllen sich beinahe intuitiv mit Gedanken, Empfindungen und Assoziationen, die unausgesprochen bleiben.
COLLECTIF FUTAL (TIPHAINE ALLEMANN, *1989 IN DELÉMONT, LEBT UND ARBEITET IN DELÉMONT / FLOYD GRIMM, *1993 IN BIEL/BIENNE, LEBT UND ARBEITET IN BIEL/BIENNE)
Das Werk Finito (2021) strotzt regelrecht vor Farb- und Formenvariationen. Der Blick springt von Farbfeld zu Farbfeld und bleibt gelegentlich bei vertrauten Motiven aus der amerikanischen und japanischen Popkultur hängen: Da ist zum Beispiel dieser Kreis am oberen rechten Bildrand oder die braungebrannte, blonde Actionfigur. Während der Kreis an einen fliegenden Pokémon-Ball erinnert, mit dem man wilde Pokémons einfangen kann, ähnelt der blonde Held dem Krieger Larn aus dem amerikanischen Fantasy-Zeichentrickfilm «Fire and Ice» (1983), der nicht nur eine entführte Prinzessin finden, sondern auch die Menschheit vor der Eiszeit und der Unterjochung durch einen bösen König bewahren muss. Die Komposition der Arbeit, die sich aus gezeichneten und mit Photoshop bearbeiteten Bereichen zusammensetzt, versucht die Fülle an Farben und Formen auszubalancieren und spielt damit auf den Überfluss an, mit dem wir tagtäglich, nicht nur durch Film und Fernsehen, konfrontiert werden.